分析演唱和演奏的聯合教學論文

　　聲樂與器樂演奏同作為表演藝術,具有一定的共通性。通常,我們把學習發聲方法的過程稱之為“塑造歌唱的樂器”,通過多種有效的訓練手段,建立好的氣息、穩定的口咽腔,使人體這件“樂器”能夠演奏出漂亮的音色。同樣,在學習樂器的時候,老師在課堂中經常會提醒學生,“如歌唱般地演奏”。可見,聲樂與器樂有著密切的聯系。筆者通過多年的學習和教學發現,在聲樂課堂中,將聲樂與器樂有機地結合起來,可以把抽象的聲樂學習過程變得更加具體而形象,從而引導學生更快地找到正確的歌唱狀態。

　　一、聲樂與二胡

　　在歌唱中,呼吸的訓練至關重要,這也是教學中的難點。學生往往在演唱過程中容易出現提氣的情況,尤其在初學者身上體現得極為明顯,教師經常會提醒學生,“把氣放下來、把聲音放下來”,但是怎么放下來卻著實成了一個難題。在最初學習聲樂的時候我也經常被這個問題困擾,直到有一天聲樂課上,我的老師王翼亭教授跟我說了這樣一段話:“不管唱高音還是低音,聲音一定要‘坐在氣息上’,就像拉二胡一樣,不管音區如何變化,琴弓始終是緊貼琴筒的,假如把弓子拿起來放到琴弦的上部去演奏,聲音就會是干澀、刺耳的了;只有弓子貼緊琴筒演奏,音色才好聽,音量才有保證。”這樣一個很簡單的比喻,讓我茅塞頓開,馬上明白了氣息安放的重要性。下課后,我又專門去看了二胡專業的同學練琴,并實踐體會了琴弓離開了琴筒,就無法產生好的共鳴,就很難發出響亮悅耳的聲音。在演唱過程中,氣息的支點保持在橫膈膜周圍,這極像二胡的琴筒。通過這個比喻能讓學生更直觀、更形象地理解并記住演唱時一定要把氣息放好、放平。

　　二、聲樂與小提琴

　　1.力量的使用。在學習聲樂的過程中,大部分學生都會經常聽到老師這樣的提醒:放松地去歌唱。于是便出現一種情況,學生為了追求放松的狀態,大量運用假聲,以致使中低聲區唱出來的聲音虛而空。其實在歌唱中放松與緊張是并存的,要辯證地去看待這一問題。“歌唱家的嘴在咽部”,咽喉部的肌肉在演唱過程中是積極參與的,比如,通過喉內肌可以調整聲帶,通過喉外肌可以調整共鳴管的使用。所以必須讓學生明白咽部是有力量的,要敢于用些力量去歌唱。這和小提琴演奏有共通之處。在演奏小提琴的時候,左手手指需要將弦摁在音板上,右手運弓,這樣才能拉出漂亮的聲音來。如果琴弦摁不住,拉出來的聲音就是虛的、搖晃的、不明亮的,通過這個觀察,可以讓學生明白在演唱過程中,要敢于用咽部的力量去歌唱,所謂演唱狀態的放松一定是建立在某種程度的緊張之上的,決不能為了追求放松狀態,唱出虛的、暗的聲音。

　　2.建立音色調整的意識。有些學生在學習聲樂的時候,習慣用一種音色和打開方式去唱,就是不管音區的高與低,都唱同樣的音色,這樣勢必會出現兩種情況:一是中低聲區唱得實在,音色明亮,但一到高音區就唱得緊張或喊唱;二是低音區唱得全部虛掉了,沒有音色,而高音區假聲用得太多。為了避免這種情況的出現,在剛開始學習聲樂的時候,就要讓學生建立音色調整的意識。在演唱不同聲區的時候,音色是不同的,真假聲使用的比例也是有所區別的。為了更直觀地讓學生明白這一點,可以讓學生觀察小提琴的形態,小提琴的四根琴弦“sol、re、la、mi”,粗細有別,演奏不同的音高要在不同的琴弦和把位上完成,在粗弦上硬要拉出很勉強的高音,就費力不討好了。這樣可以讓學生直觀地明白,演唱過程也必須遵循自然規律,建立音色調整的意識。從低音區到高音區要調整出不同的狀態和位置,而打開和集中的程度也都是有差別的。

　　3.對于聲線的塑造。好的聲音線條對于演唱者來說非常重要。因此在學習過程中,經常會進行長琶音的練習。這類練習一般音域跨度大,容易出現喉頭不穩、上提等狀況。這時可以啟發學生去想象自己在演唱時如同小提琴演奏華彩樂段時大線條的連奏、一弓子完成一句那樣,當學生注意整體音樂的把握時,就可有效地避免提喉等狀況的出現,同時也可以引導他們去唱出好的聲音線條來。

　　三、聲樂與手風琴

　　在聲樂教學中,氣息的`訓練是非常重要的。尤其在演唱高音時,需要兩肋擴張,以有力地支撐住高音順利完成。在教學中,可以啟發學生把兩肋想象成手風琴的風箱。我們都知道,手風琴要完成一首作品的演奏,風箱是源動力,在演奏時需要拉開向兩邊擴張,以確保手風琴可以持續地發出聲音。在演唱中,要求學生體會氣息就如同手風琴的風箱慢慢向兩邊拉開擴張的感覺,這樣可以讓學生充分明白在演唱過程中氣息運用的重要性,充分體會在歌唱中兩肋擴張的感覺,以能更好地表達出每一個樂句的完整性。四、聲樂與鋼琴

　　1.建立聲音位置安放的意識。在聲樂學習中,聲音位置的構建是很重要的。我們經常會采用“哼鳴”、“打嘟嚕”、“往鼻梁唱”等各種教學手段啟發學生建立聲音的高位置。我還經常打開鋼琴的琴蓋,讓學生看鋼琴的構造,提醒他們觀察鋼琴的琴槌,每個琴槌敲擊的位置是固定的,彈“do”時往哪里敲擊,彈“re”的時往哪里敲擊,培養學生在演唱時注意聲音位置安放的意識。演唱中聲區的“f”和高聲區的“f”,打開的程度和真假聲的使用是完全不同的,最好能夠記住自己在演唱每個音時最舒服的狀態和最漂亮的音色,在日常的訓練中堅持鞏固住這種好的聲音狀態。

　　2.建立通道意識。通常在演唱高音時,教師會啟發學生打開后面的聲音通道,此時,很多學生不理解什么是往后唱,容易窩住聲音,或者是繼續“白著唱、推著唱”,這樣不利于高音的演唱。這時候可以讓學生觀察鋼琴的構造,鋼琴的琴弦全繃在鋼琴的后部,在演奏時由琴槌敲擊發出聲音。可以啟發學生去想象自己的身體后半部分是音板,好像也繃滿了琴弦,張開嘴巴,用上氣息,在演唱時想象往后面(咽壁)敲擊“弦”,讓聲音反射到前面來。眾所周知,在聲樂教學的課堂中,經常會用到想象和啟發性的語言。聲樂學習不像數學課那樣有一個標準的答案可以直觀地去判斷對錯,由于演唱個體的生理條件和綜合素質千差萬別,需要通過有針對性的訓練才能解決每個演唱者的問題。美國著名學者波斯納曾經提出:教師的成長=經驗+反思。以上是我在學習和教學中覺得比較有效的教學手段,當然如果學生對以上樂器有所了解或者演奏過,對這些比喻教學法的理解就會更容易、更直觀,可以更加有效地解決一些技術性難題。其實,樂器演奏和歌唱之間有著千絲萬縷的聯系,經常從樂器演奏中發現二者可以相互借鑒的方法,對于聲樂學習是會有很大幫助的。

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